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艺文汇集:

1.观察记忆想象 

 9.砚边笔谈

2.在玩耍中学画

10.老人学画五法

3.概论黑白

  11.李唐《村医图》人物画辨析

4.孤独的行者——蒙克艺术风格初探

12.东方艺术品受藏家青睐

5.感受色彩

13.收藏是一种精神

6.少而精 学得好

14. 画如其人 一丝不苟

7.清代《冷淡庵印谱》  

15.圆    梦

8. 中国画题款之我见

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  观察记忆想象

                                                             蒋明安 2002-7-13

  心理学中把观察能力、记忆能力、想象能力、思维能力、实践能力,称为智力结构的五大要素。它们在智力结构中各有一定的作用,初中学生正是观察力、视觉记忆力发展的重要时期,教师在美术教学中应重视培养学生的观察力、视觉记忆力和想象能力。
  

诱导启发、培养学习观察力
  要提高记忆力,首先要培养正确的观察力。观察力是人们认识世界,进行各种创造性劳动的基础。巴甫洛夫曾将摴鄄臁⒐鄄臁⒃俟鄄鞌作为他的座右铭。心理学也认为良好的观察力是在实践中经过长期的、一定的训练而获得的,所以培养和提高观察力,应该从儿童抓起。教师必须在教学中有意识、有计划地培养和发展他们的观察力,尤其是以撔螖为特征的美术教学,更应如此。只有具备独特而正确、敏锐、细致的观察力,才能加深对美术作品的理解,才能在写生和记忆画中很好地把握物象的形体特征,并准确地表现事物。
  让学生去观察大自然。如利用每学期一次的郊游,事先出题目。要求学生去观察自然物象的线条、形状、声音、色彩等。学生按题目要求投身大自然的怀抱,凭着感官直觉,看到天空的云彩,听到山间小鸟的啼鸣和潺潺的流水声,欣赏浩淼的湖水,蜿蜒的小路,起伏的山峦,以及点缀其间的亭、塔、楼阁,一景一物都使学生有所领悟和启发,使他们逐步理解自然界的整齐有序、对称均衡等形式美的法则,由认识自然美的外部特征,逐步认识其内部结构美的规律。

创设情境、强化学生记忆力
  心理学认为儿童识记材料的系列位置不同,遗忘的情况也不一样。为了发展学生对形体的视觉记忆力,可把物体放在复杂的位置。如把物体倾斜放置或把物体放在特殊的透视角度,练习过若干次记忆画后,可更进一步教学生画上一课所见的物体,以后还可以把物体给学生看,让他们观察分析后,回家去按照观察时的位置画出来。这种记忆画可加深大脑中的痕迹,使画过的物体形象在脑中保持更长的时间。
  另外有些题材是比较复杂的。如大自然的风光,初学可以先从单个物体入手。教材水彩记忆画《校园秋色》可安排三个课时。第一、第二课时让学生画树木、建筑物等单个物体的练习。学习观察他所要画的景物,分析它的形状特点和结构,然后回家去画或回到教室里画。必要时可以让学生再去
  观察,把自己的画和景物作比较或凭记忆修改作品。到第三课时学生脑子里有了自然界单个物体的形象,就可以让学生作完整的校园风景记忆画了。这时学生必须凭记忆画出各物体在画面的位置、比例、结构和秋天的色彩调子。
   

发挥记忆、开启学生想象之门
  亚里士多德说:摷且浜拖胂笫粲谛牧榈耐徊糠郑磺锌上胂蟮亩髟诒局噬暇褪羌且涞亩鳌美术教师在平时的教学中,有意识地结合知识教学,对学生加强想象力的培养,是培养新世纪人才的迫切需要。教材中的标志、手帕设计等内容,为丰富学生的想象力开启了理想之门。充分发挥学生的想象力,使学生的想象适合于设计的要求,才能设计出新颖理想的作品。我在教学中要求学生在主题规定的范围内,充分利用原有的生活经验,观察的结果,从多角度、各方面充分发挥自己的想象力,打开创作思路。如设计一件作品,则要求多画些草稿,多进行比较分析,从中找出较好的草稿,再进行深入的分析、修改,直至最后完成。学生设计的成功与否,与他平时对生活的观察,形象的记忆有关,其中想象力也起着一定的作用。
  文学、故事、诗歌的插图是想象画,也近似于记忆画。要使学生能正确的表现插图,可选择简短的文学作品、故事或诗歌,先让学生研读文章,学生读后,在原有的观察、记忆的基础上发挥想象,要使这种想象清楚明确,并准确地表现题意,还必须作新的观察。如要为欧阳修的《丰乐亭游春》作一幅插图,先指导学生读下列诗句:红树青山日欲斜,长郊草色绿无涯。游人不管春将老,来往亭前踏落花。读了诗句,学生的想象中顺次浮现出一连串内容各异的画面:斜阳、青山、红树、绿草……这时可与学生交谈、讨论诗中可以作画的地方,并进一步让学生到自然中作新的观察,帮助他们构成适合于原诗的想象。这种读过诗句后补充的新观察,对学生也很有帮助。因为插图与观察以及记忆画有密切关系。在描绘过程中必须让学生知道,从对事物的观察中,用合理的判断,选出最具有表现特色的事与物来,把它们联系起来,表现出自己的观察、想象和对诗句的理解。

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在玩耍中学画

                                                辅导幼儿水墨画一得 张万琪 2002-7-13

  每个画种都有自身的形式特色。而这些特色很多都是因为使用各自特色的材料而产生技法的。作为传统的中国水墨画,其笔墨技法历千年累积已精湛绝顶。我们对幼儿进行水墨画习作辅导,当然不需像对成人培训一样苛求,只要强调掌握水墨画的技法精神就可以了。但既然是画水墨画,水墨画最基本的用笔、蘸墨、蘸水、蘸色的初步方法,譬如正确握住毛笔,如何灵动运用手臂、手指等方法,还是要认真对待。使幼儿一开始就正确掌握,千万不能借口充分发挥童趣,而让幼儿画水墨画信手涂鸦,这样养成不好的绘画习惯,误了幼儿一生。没有规矩,难成方圆。使幼儿掌握水墨画技法最起码的知识,绝对不是对着幼儿高谈阔论,最好最简捷的教法就是辅导老师的身教示范,而且要一而再、再而三地不厌其烦地示范。模仿的力量幼儿是最强的,而教师的榜样对幼儿同样是无穷的。这样,只要我们能根据幼儿的年龄特点,示范好适合幼儿心灵特点和简练明快的水墨画范作,耐心细致又不失严格地要求幼儿掌握良好正确的绘画习惯,无须多少时日,幼儿画水墨画的兴趣便会勃勃而起,而且经久不衰。兴趣是最好的动力,我们一定要重视培养和保护好幼儿对学习水墨画的兴趣,兴趣有了,辅导幼儿水墨画的大门已经是徐徐被您打开了。
  

    与此同时,需要对幼儿经常性的鼓励叫好,任其思维海阔天空,自由驰骋。喜欢表扬是人的天性,更何况是年岁尚幼的幼男幼女,更是需要我们的百般呵护,千万不能伤害了他们稚嫩的心灵。对幼儿的水墨画辅导,一定要坚持正面教育,善于发现他们表现出来的一星半点哪怕是极幼稚的优点和进步,及时地予以表扬和肯定。能否事事处处坚持正面鼓励,正确肯定幼儿在水墨画学习过程中进步的点点滴滴,是衡量我们够不够格做一名优秀的幼儿水墨画辅导老师的重要标准。幼儿在其年龄特征上表现出来超乎常规的奇思妙想和异想天开,更是幼儿绘画特有的宝贵特征,我们做辅导教师的一定要及时敏锐地发现这些像星光般转瞬即逝的光辉,加以重视和肯定。
    

    附发的几帧幼儿水墨画习作,是浙江农业厅幼儿园中班张墨苇小朋友的作品。画这几张水墨画时她还不足5周岁,之前也从未接触过水墨画学习。通过一个多月的诱导教学,她耳濡目染,兴趣勃勃地信手涂抹了一摞这样的水墨画习作。值得一提的是,指导教师从未撉科葦她怎样去画什么水墨画创作,而只是带她在这个水墨画的圈子里随便走走玩玩,但是又为她设置了一个小小的圈套”———她的小画桌上始终放着一套为她准备的颜料、水墨和纸笔,她想到画时就随她上去涂抹,她不想画时就随她玩去。她的水墨画学习就在这样的中得以完成。

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概 论 黑 白

                                                          李以泰 2002-7-13

  黑白在绘画中的作用,正愈益受到人们的重视和关注。不仅艺术家,更多的人对绘画的黑白也感到了兴趣。
     绘画作品中的黑白效果,不仅主宰了黑白绘画和单色绘画的成败,且对于彩色绘画也同样至关重要。这是因为色彩本身的深浅,在艺术效果上却不能不受到黑白关系的制约。
     近代中国画家黄宾虹和潘天寿的作品,风格独特,便与画面的黑白处理有关。黄宾虹的作品,黑白层次浓重丰富。其黑白渐变的广泛运用,使艺术效果朴拙灵秀、浑厚华滋。潘天寿的作品则以明快简洁的黑白布局独树一帜。他的作品以黑白突变的大落差,使艺术效果磅礴强烈、沉雄奇崛。
     同样,我们可以见到文艺复兴三巨匠之一的意大利画家拉斐尔,在他所描绘的圣母杰作中,其黑白层次渐变的运用,达到了何等丰富和微妙的高度,从而使他的作品以典雅和秀美,有别于达·芬奇的庄严和米开朗基罗的雄健。
        
近代罗马尼亚油画家科·巴巴虽是同样写实的手法,他却运用强烈的黑白对比,特别是以大块的黑和粗黑线,而著称于世。由于他在画中省略了许多黑白层次,使他的作品别具一种深沉、神秘、忧郁的情调和力度。
         国画和油画尚且如此,版画的例子就更多了。只要我们闭目回想一下,哪一个杰出画家的艺术风格可以离开他那作品中独特的黑白效果呢?
     从顾恺之、范宽到八大山人、潘天寿,中国传统绘画是讲究黑白艺术的;从达·芬奇到毕加索、弗罗依德,西方绘画的古典及现代艺术也十分重视作品的黑白效果,甚至最强调色彩的印象派,画家们的作品也不例外。显然,不论在东方还是西方;不论是古典还是现代的绘画中,都离不开黑白的艺术实践。
 
  但是,对于绘画黑白的理论研究,与黑白的艺术实践相比,前者却处于明显滞后的状况。可以说,迄今为止人们对黑白因素的重要性还远未充分认识。这是与其在绘画艺术中所起的重要作用所不相称的。鉴于此,当下黑白艺术学的提出,也就成了历史的必然。
        
 “黑白艺术学的研究,将使人们看到一个新的领域。这个领域之广、影响之深、已渗透到绘画艺术的所有方面。从具象或抽象的造型到黑白布局;从点、线、形的组合到黑白深浅层次的安排;从美的表象到内涵;从情感的表达到意境的追求;从艺术个性的形成到风格的成熟……可以说,黑白艺术学的研究范畴几乎涉及到所有绘画的因素。
   
        “黑白艺术学的研究,将使艺术家在作品艺术效果的理解上,摆脱盲目与偶然,增强自觉与必然,从而促进对黑白规律的总体理解和把握,使艺术家有效地缩短艺术实践的历程,更快地走向成熟。
   
       “黑白艺术学的研究,将解释构图学和色彩学所未涉及的有关绘画作品的黑白现象和黑白艺术魅力之所在。现概述内容如下。

  一、绘画艺术中的黑白形态。我以为可从以下诸方面研究:
  ①点、线、形是构成绘画的基本因素。从这个角度研究和归纳绘画中黑白的点、线、形的种种形态及组合。
  ②分析和归纳黑白分割的不同形态及组合。它是作品总体黑白构成的基本形式。
  ③黑白衔接的基本形态。分析黑白渐变和黑白突变的不同形态和组合。它是产生画面黑白艺术效果的基础手法。
  ④分析归纳黑白层次不同形态及组合,将丰富作品的艺术效果。
  ⑤分析归纳黑白节奏和旋律的不同类型及组合,使作品产生不同的黑白艺术效果及变化。
  ⑥通盘考虑黑、白、灰布局的不同类型及组合,以便决定作品不同的总体黑白效果。
  ⑦为了解决作品黑白艺术效果中对动、静、平、奇的侧重,以及气氛和意境的把握,要分析归纳黑白均衡和黑白边角的不同类型和形态。
  ⑧对不同类型和形态的黑白对比、和谐的运用和调节,决定作品黑白效果强弱的不同倾向。
  ⑨分析、归纳、选择黑白基调的不同形态和类型。它决定作品艺术效果的不同黑白明度和感情倾向。
    

    二、绘画艺术中黑白与美的形式规律。其间含黑白本体美;多样统一美和观念美等三方面。
  黑白本体美,一在于纯净。如纯黑、纯白和不同深浅的纯灰。只有纯净的黑白,才能在色彩的世界里显示其独特,才能使人们注意到她的存在和无与伦比的美。二在于对比。缺乏黑白层次和面积的对比,黑白美就难以显现。三在于形。缺乏美的形,黑白就难以悦目。
  多样统一的美,包含黑白的点、线、形的不同形态与组合的美;以及黑白分割、衔接、层次、节律、布局、对比、和谐、基调、与均衡,黑白边角的不同形态与组合的美等。
  观念的美,在于适合。对不同的时代、地域、民族、个人的观念适合,以及对不同作品的观念适合,等等。
    

    三、绘画艺术中黑白与感情表现的内在联系。一幅作品是一个世界。绘画作品中不同形态的黑、白、灰对人类的情感唤起是不同的。绘画作品中各种不同的黑白艺术形态与情感表现的关系,实际上反映了黑白与人类感情的深层次联系。
 
     黑白与人类感情的内在关联,在绘画的黑白艺术形态上,同样表现为在本文绘画艺术中的黑白形态内容中所提及的那九个方面。
    

        四、绘画艺术中黑白的形态。与时代、地域、民族、画种流派的关系。它反映了不同时代、地域、民族、画种流派中的人类文明与审美习俗;画种工具、材料和制作特色;以及艺术观念和表现形式的种种差异。
   

        五、绘画艺术中黑白与艺术家个人风格的关系。
        
绘画中各种黑白形态与艺术家个人风格的关系同样十分密切。前面提到的国画大师黄宾虹与潘天寿的风格差异和文艺复兴三巨匠拉斐尔与达·芬奇、米开朗基罗的风格差异,已清楚地说明了这个问题。这个问题的充分展开,不仅对画家风格的深入研究十分有益,且对于实践中的艺术学徒,和艺术家风格的形成也有着重要的启示和帮助。
                                                                                      (选自作者的《黑白艺术学》论著中国美院出版社出版)

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孤独的行者——蒙克艺术风格初探

西北师范大学敦煌艺术学院美术系2000级研究生雷涛 2002-7-13

  在所有的北欧艺术家中,蒙克可谓是其中最孤独、最内观和最辛辣的人。他充满了对世界的怀疑、不屑和独立不羁的个体精神。在他之后,纵使画者运用更为浓烈的色彩,更为夸张的变体,也难以企及他对于生命、死亡和恐惧的强烈描绘。因为,那是属于灵魂的东西。
    

    处于十九世纪与二十世纪交替期的蒙克,其无与伦比的独特个性首先反映在他对于母题的选择上。爱情、死亡和对生命的渴望与恐惧成为他反复选择与提炼的艺术核心。其深层的心理因素与北欧艺术家的群体抽象化观念和象征主义的主题影响不无关系。所不同的是,蒙克将这种思想提炼得更加深刻,更加露骨,表现发挥得更近于极致。在《圣母像》一画中,圣母的头颅微微上扬,带着一种慵懒的眼神,仿佛刚刚从一场春梦中苏醒,又好象存在于一种蔑视一切、至高无上的状态。头顶上一片眩红的光,不知是神性的曙光还是人性的苏醒。天地如此之小,人性如此之大,这是人神间交相辉映的圣母,是对有血有肉女性的崇拜。而在《吸血鬼》中,女性又如同传说中的女妖塞壬一般,是温暖而又暧昧的生命。那女人飘拂的长发,如同向下漫流的鲜血,而她如梭如织的手指正在囚禁着一个年轻的生命。这是甜蜜的痛苦棗女人给予男人爱情与生命,同时也在用爱摧毁生命。蒙克对待主题的态度还反映在他对同一画题的反复探索上。许多名作如《吻》、《呐喊》、《圣母像》都有油画与版画两个版本。完全相同的构图,相似的形体,不同的绘画语言,使我联想到恩索棗与蒙克同时代的画家。他终其一生都将绘画热情倾注于假面、骷髅的描绘。恩索用不同的画面表现相近的主题,而蒙克则用相近的画面表达不同的含义。前者于丰富中求单纯和统一,后者则在单纯中寻求变化。
    

    蒙克的另一特色表现在他简纯而又象征的色彩上。黑、红、黄几乎成为其作品的三原色。他以黑为骨,代表恐惧与黑暗和对生命的绝望与压抑;以红为线,是对爱情的渴望与激情的喷薄;而黄色则是游曳于两者之间的彷徨状态。如果说那个时代是色彩横流的浩荡大河,那么蒙克则是河中幽暗孤独的一块岩石,不随波逐流而又顽强挺立。谈到蒙克的色彩,弗兰克·怀特福德将他与凡·高相比,认为蒙克的色彩少而薄,而凡·高的丰富而浓密。我却认为过于绝对,蒙克的色彩也有浓烈而丰厚的,如《地狱里的自画像》,奔放的笔触肆意侵延,如同地狱中燃烧而跳动的火焰。区别之处在于蒙克对色彩的依赖少于凡·高等同时代画家。同样的主题,摒弃色彩的黑白木刻同样能表现,甚至超越色彩作品。如蒙克在1893年与1895年分别制作的油画与版画的《呐喊》,代表了同一状态下的不同阶段。前一张油画作品,如血的残阳,在黄与绿中盘旋流荡,所有的一切都笼罩在暮色的阴影中。桥的那边走来两位行人,与画面正中的蒙克形成了一种僵持的距离。这种距离加重了画者内心的孤独感。他停在半途中,以手掩面。恐惧、恐惧、开始颤抖,所有的情绪都压抑在沉沉的暮色中。木刻版则不同,这时候残阳已经散去,游人也离他而去,连湖中的小船都飘得那么远。整个宇宙间只剩一人的巨大孤独感向他袭来,甚至来不及准备,他就喊了起来,于是整个天地都笼罩在一阵凄迷而又无助的尖啸声中,只有扭曲的线条算是对这呐喊的一种回应。由此再回到前述论断,形式和色彩对蒙克来说并不是最重要的,重要的是精神状态的表达。他的灵魂不依赖色彩而存在,但色彩却因他的不朽灵魂而得到永生。
   

         想要把蒙克看作是其后一切表现主义艺术的先驱,似乎有些言过其实。套用鲍德莱尔(Baudelaire)形容塞尚的话:他只做了自己的保证人……他是他自己的君主,他自己的牧师,他自己的上帝。这位孤独的行者,在其生命走到尽头后,很难有直接的继承者对生命、死亡、爱情有如此深刻和强烈的内在表现。但是无疑,他会以自己的精神力量点燃后继者的热情和表现的火种。

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感受色彩

湖北美术学院油画系副教授刘剑 2002-7-13

  一般说来,在课堂写生时,只要懂得哪些颜色调在一起能表现你所观察到的对象和各种色彩就行了。如果你画的色彩及其相互关系准确,画出来的画就一定是和谐的。因为,光源本身就有助于创造出对象自然和谐的色彩。素描、明暗,乃至于边线都是可以衡量的,实体艺术家的色彩不适合于作这种精确的分析,因为它是高度表现主观思想感情的。所以对于许多学生来讲,观察色彩的本领,是个撜姹玖鞌。有些画家似乎自然地就能掌握运用色彩,而另一些人却永远感到它高不可攀。还有一些画家认为色彩不值得一提,他们在色彩方面不下功夫。他们遵循所谓摶灰孛韬镁凸涣藬的原则。如果长期持这种排斥色彩的做法那就大错特错了,而且会导致自身对艺术全面发展的偏狭理解。
    

    在感受色彩方面,印象主义(Impressionism)者确是描绘撟匀粩、感受色彩的真正大师。他们把坚实的轮廓线解体于闪烁的光线之中,并且发现了色彩。这样一来,中世纪的彩色玻璃和书籍插图那种纯净、闪光的色彩就让位于印象主义的混合色调。而印象主义者已经不再在调色板上调和颜色,而是把颜色一点一点、一道一道地分别涂到画布上,通过混合后再看效果。在感受色彩之前,必须清楚色彩是一种精神视觉,色彩来自于个人灵感,色彩和谐统一的关键最终在于对人类心灵有目的的启示与激发。
    

    当我们一提色彩,立即就会想到它的两大分类:暖的和冷的、鲜明的和暗淡的。很明显,每种颜色都具有多种基本色调:如鲜明的暖或暗淡的暖、鲜明的冷或暗淡的冷。一般来说,暖色意味着接近黄色,冷色意味着接近蓝色,这种差别出现在同一范围内。换言之,一种颜色会保持它的基本性质,但是这种性质尽管时强时弱却是现实的。这种差异体现出一种水平运动,暖色向观众逼近,而冷色却离开观众向后退缩。所以,大多数人在感受色彩的同时,很容易受到基础色彩理论的局限。真正感受色彩的技巧,在于如何观察色彩,而不是如何使用色彩。
    

    在如何观察色彩这一点上印象主义做的最好。在1888年冬天,一位热情的荷兰青年离开巴黎,到法国南部去找南方强烈的光线和色彩,他就是文森特贩卜高(VincentvanGogh)。他渴望创造一种淳真的艺术,不仅要吸引富有的鉴赏家,还要给予所有的人快乐和安慰。他喜欢用纯色点划的绘画技术,并使用一道一道的笔触,不仅使色彩化整为零,更重要的是通过感受色彩,并通过色彩来传达他自己的激情,他用色彩和形状来表达出自己对所画的东西的感觉和希望别人产生的感觉。
    

    总之,如何感受色彩,我在长期的思考中归纳几点:1、用纯绘画的形式表达对自然的最直接印象。2、把握内在特征和非物质性质的表现,这种表现很大程度上是无意识的,能使自己自然地进入作画状态。3、对逐渐形成的内在情感的表达要通过反复体验,和多次对比的操作过程。如果说素描注重描绘,那么色彩更注重表现作画时的状态与把握,还有全身心的投入,投入多少,收获多少。

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推荐人语  2002-7-13

 

  我教课的人物画研究生班里有一位来自福建的奇才叫林岫,原来是在中央美院学山水的。他可以在一个晚上画成一幅十多米长的《黄山烟云图》手卷,山峦叠嶂、云烟四起、气势磅礴而浑厚凝重,可谓一气呵成。确实画起来与其他同学不太一样,对于笔墨很有灵性。但他不是那种只靠灵性的人,他很用功、几个寒暑假都笔耕不断。功夫不负有心人,记得有一次他的一张课堂作业被在场的所有老师看好,既有笔墨风骨又超逸高雅,没有亲见的老师还以为不是他画的,说明他的努力已经完成了一次重要的飞跃。山水画家们经常是把山当成人来画,而他倒是经常把人当成山水来画,别有一番风采。他一笔一笔地画,一层一层地染,用笔有变,积墨有法,既严于形,又灵于性,他与一般单纯的人物画家比起来笔墨更深厚华滋,浑然天成,特别有艺术的感觉。正如周济在其《介存斋论词杂著》中写道:人尝东坡粗豪,吾尝东坡韶秀。正如苏东坡的词是豪秀相兼的,作为一个青年画家取得如此成绩实在是可赞可贺。
  过去和未来都不是最重要的,林岫正瞄准着更高的艺术巅峰前进着!
                                                                 
中国美术学院教授程宝泓
    
变化的理由
从林岫的《山里人》到《父老乡亲》说起 谢海 2002-7-13

  林岫对我说,他的画风有了一点点的变化,把在中国美术学院学得的东西添加到先前在中央美术学院所学的当中去了。那天,林岫把他的作品照片给我时就说了这么一句关键的话,然后接着说,给我的画写点文字吧。
    两年前,林岫负笈到杭州求学,刚来的时候中国美院的一些年轻教师曾多次提起他,说他画画得不错,人也好。我与他在不同的场合数次谋面,只是他的作品看得并不多,那时对他的作品印象中是那种很北方的、体积感很强的画风。两年后,林岫从美院的研究生课程班毕业了,我终于有了一次比较全方位、比较横向地看他作品的机会。
        

     林岫的毕业创作画了可称得上是鸿篇巨制的大画《父老乡亲》,在这幅画中非常客观地反映了他这两年的学习成果和他这两年的努力方向。林岫在中央美术学院学山水,在中国美术学院学人物,看上去这种生硬的联系并不能说明什么问题。然而,他在2000年初创作的《山里人》说了个明明白白———在这张画中山水画中叠加之法挪用到了人物画中,使得画面中的两位长者更显得敦厚朴实、更显得经历过岁月的沧桑之后的平淡。与此相反,《父老乡亲》却少了几许沉重,多了几分飘逸和灵动,老人的自信和夕阳正红的气息无不从画面里流露出来。

     人物画创作最主要的还是一种表现人的艺术,它一方面表现所描述的对象,一方面藉此表现画家的自我评判和审美标准。因此人物画创作永远不会彻底摆脱,即使是进入信息网络化的今天,现代绘画理论全面发展,与相对的概念主要还是实体。莫里斯领导的艺术与手艺运动以及随后的新艺术运动要塑造是能体现物美的形,以包豪斯设计带动的现代设计追求的是具备简单实用,大众化,平民化,价格低廉的。这期间,中国传统的人物画尽管出现过对空间、对造型、对色彩的理解,并在表现形式上突破了传统。但,它不过是以一种削弱某一零件而强调某一零件最终以获取进步为目的的手段,从而取代了过去而成了另一种时尚的形。

  不知林岫是不是从文脉主义及历史主义的发展史中找到了其变化的理由,视野的改变导致了他画风的改变,在获得了创作的自由度的同时也获得了极大的发展和空间。但从一个战略的高度来看,这种发展也只是对撔螖作一些实体的变革。并未上升到非物质的撐扌螖的概念上来。所以,在我看来,林岫的画还只是一种有限的变化,不过,有限的往往是有效发展的前提。因为我们知道发展的过程中忘记过去、切断历史是一件多么愚蠢的事。
    

    变化原本不值一提,因为我们每天都在变化,只是有人多一点,有人少一点;有人向好的一方,有人向坏的一面。变化原本也没有理由,它充其量不过是一种经历而已。林岫作品的变化值得他自己品读,值得他人把玩。

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少而精 学得好

                                                              广州周逸祥 2002-7-13

  老年书画学校应根据离退休老干部的特点,以“少而精”为教学原则。对此,我有亲身体会。
  十年前,广州美院彭达锟教授在课堂上说:你们由于年龄、精力等原因,学画应少而精,不能同美院学生比使我很受启发。因此,我放弃学山水专学花鸟。每次上课我都交作业,都得到老师赞扬。一次课间休息,他对我说,花鸟画门类数百种,你重点学学梅花吧。从此,老师教什么,我还是跟着学,也交作业,但课后的主要时间、精力画梅花,什么人的梅谱都临,半年过去了,却茫然一片。我带此问题问老师,彭老师说:你喜欢谁的,就专心学,别人的先不学。我恍然大悟,当时几位老同学给我提供资料、送我画谱,帮助我下决心学北方画梅名家王成喜的作品。我将王出的第一本画册(63幅),遍临数遍,历时二年,用纸数刀,可称得上废寝忘食,目不他顾,同学们开玩笑说我是王成喜第二,老伴说我是王迷
  从临摹到创作,是个自然的发展过程。12年来,我也拥笔近百,废画上千。通过学校培养,老师教导,同学们的帮助,画艺有点长进,可独立创作,即席挥毫。1997年我荣幸被广东省美术家协会接纳为会员,圆了半个世纪前学生时代就想成一名画家的梦想。
    多年来,当我铺纸提笔,总会想起老干大学对我的培养,得益于撋俣珨的教学原则,想起谆谆教导和帮助我的良师益友们。虽然彭达锟教授不教我们已近四年了,林春华、刘行则两位都走了,他们的精神还是时常激励着我在国画天地里探索。

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砚 边 笔 谈

                                                          浙江新昌吕斌 2002-7-13

  山水画和其他花鸟人物一样,在表现形式上离开了绘画技巧这一主要的一面,就没有什么艺术可言了。
  山水画和其他花鸟人物一样,在表现形式上离开了绘画技巧这一主要的一面,就没有什么艺术可言了。

     就山水画而言,历代各种流派的形成,各家风格的形成,其主要是由于表现技巧的不同———皴法的不同而形成的。所以山水画的创新,就表现技巧来说,主要是皴法的创新。虽然画家本身性格(人品)修养,文学素质的修养地区性(环境)的影响,是重要的,但都不能代替画家的绘画技巧。山水大家如果没有他们各自独特的皴法,也就没有他们各自的风格:他们各自风格的形成,正是由于他们在山水画表现的技法上创造出了各自的皴法而形成的。


    山水画,从画面上来讲,向上、下、左、右扩展是比较容易的。但要使画面向里面深进去就不那么容易了,这是画山水的人,一辈子要努力的。
    重视传统、学习传统的技法,这是要紧的、必须的。不学学传统,你就掌握不了山水画的基本技法,就没有笔墨可言。但过分的把传统强调到不适当的程度,而忽视了创新,那你就只能在传统的范畴内做一些传统的加减乘除,作品就失去了生命力。所以画山水的人,如果能学习一些西方的透视知识,笔者认为是很有好处的。这样,你的山水从视觉上来说,能更接近于现实,更有一种亲切感。
    中国画以线为主,骨法用笔,这自然不可忽视。但过分强调线以致弄得肋骨根根出,作品就索然无味了,所以我主张画面模糊一点,防止画面收拾得太过具体,这样画面上的东西反而显得越少。骨法用笔,不单指一笔一划要有力度,而更重要的是整个画面要坚实,有重量感。做到能峥峥挺立得起来。

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老人学画五法

                                                            江苏常熟程庆元 2002-7-13

  为寻求晚年生活乐趣,学国画已成为老年人的普遍时尚。但是怎样才能学好?笔者通过几年实践,有几点体会,供商榷。
  

    学习有目标
  学国画确是老年人丰富晚年生活的较好形式,它不仅有着高雅的文化内涵,更适合老年人的特点。但是绘画有基础理论,有技法要求,如把学画当作单纯的休闲娱乐、光听不动手,那是永远达不到学习的目的。所以学画,对自己一定要有目标要求(如画技水平和时间要求),才能朝这方向去奋斗。凡专心一致,勤学苦练,必然有所成就。一旦看到自己的学习成果:亲友向你索画、征稿入编画册、竞赛得到名次……就有一种无形的力量激励自己,更要刻苦学习,形成学习的良性循环。那时,对作画就充满激情,全神贯注,甚至进入忘我忘时的境界,这才真正达到精神兴奋、血气通顺,其乐无穷,实现学习、娱乐、健身三结合的要求。
    

    学画少而精
    国画有花鸟、山水、人物等,画法也有工笔、写意;写意中还有大、小之别。而老年人往往是兴趣多样,一般都想去尝试一下,结果是适得其反,不仅学习效果差,还不利于身心健康。老人毕竟精力有限,视力又差,时间也有限,贪多是行不通的。笔者认为老年人学画也要短、平、快,即是在较短的时间内,学一些老人容易学会,而且能够胜任的,并在较快的时间内可以出成果,这才符合老年人的特点和心理要求。本人刚开始只选学花鸟画,练小写意技法。由于课目单一,精力集中,就有充分时间去听课、写生、求教和练画,从一个不会国画逐步到会画,画技水平也在不断提高。

   练好基本功
    国画又称水墨画,水和墨是国画的灵魂。现代的国画一般都用色彩,所以水、墨、色和笔的掌握和应用是学好国画的基本功。
       
用好笔是画好一幅画的关键。用笔首先要懂得用笔方法,它有:正笔(中锋)、侧笔、顺笔、逆笔、聚笔(细)、散笔、卧笔、拖笔、滚笔、疾笔、徐笔、战笔、擢笔、扫笔、点笔、提笔和按笔等十七种。按法学习,坚持不懈,才能不断提高腕力笔力,才能行笔快速,运用自如,确保画的气势和变化。
        
掌握和调节好水和色(墨),是作好一幅画的基本环节。画对色彩有不同要求,如:鲜艳与清雅、明与暗、深与浅等,画者必须根据色彩三要素:色相、明度、纯度(彩度)谨慎调配,而其中水分的控制极为重要。用水得当,能使画面水色相融、苍润有力;如不当,则苍而不润显干枯,或润而不苍呈现无力。所以一定要学会用水,掌握用水的时间、程度和规律。
    
    熟练掌握绘画的技法和技巧,能起到事半功倍的作用。如学习点垛、勾勒、和二者结合的作画方法;采用点染、烘染和皱擦,突出画的气氛;运用浓用淡破淡用浓破的破墨法技巧,而求得较好的画面效果等等,都要我们不断去实践和摸索。

  经常去写生
  经常去写生,笔者认为有三益:一是能接触自然、观察实物、拓宽视野。如花卉中的牡丹和芍药,月季花相似,实际观察,就能区分其不同点。二是练习线条的运用,做到落笔恰当、运笔流畅。三是积累创作素材,提供创作构图的思路。
    

    要勇于创作
  当我们掌握了绘画技法,具备了创作条件,就应冲破框框,勇于去尝试创作。当然在进行步骤上,应由浅入深,逐步前进。
  搬移法。自己首先要有一整体的构思,再把现成资料中的局部画面移过来,组成一幅新画。
  穿插法。选择一幅自己满意的画面,进行部分的更动、变化,把自己的意图插进去,成为一幅另一构思的画面。
  全部创作。从立意、构思、作画、完成,完全按自己的设想进行。
  为更好充实创作思路,除经常写生外,要提倡多看,参观画展,阅读各种绘画资料;多听,关于创作的经验介绍;多参加作品的评析,特别是要把自己的作品推出去,直接听取意见,以便改进和提高。

  坚持练书法
  绘画和书法是不可分割的两个部分,画的线条是否流畅,就看笔的功力能否运用自如;画是否苍劲有力,这是鉴定你的腕力笔力,所以书法是寓于绘画之中。
        
练书法,关于学什么字体,要根据各人爱好,各取所需。一般讲,学楷书练;学篆体练线条;学草体练灵活,当然这也不是绝对的,靠自己在实践中去摸索。

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李唐《村医图》人物画辨析

                          张亚和 2002-7-13

  《村医图》又名《灸艾图》,许多画册将其视为宋代李唐所作,也有一些图册对此图的作者记载为李唐(传)等字样。由此看来,对《村医图》(灸艾图)的作者尚有待考证。本文仅对图中人物之属性加以说明,因为有些画册对《村医图》中人物的解释有不当之处,特此提出不同观点。
    
 

        《村医图》共画有人物六个,假如我们将坐在地上的病人和坐在小凳子上的村医,以及画面右边的小药童(村医的助手)除外,其余左边帮忙的三人应均是病人的亲友,而此三人正是本文论述的重点。因为在一些文献资料中对这三人的评析不尽相同,且与图像不符。在上海辞书出版社出版的《中国名画鉴赏辞典》第311页的《灸艾图》中是这么评述的:“……树荫下,病人正经受着一场痛苦的折磨,他袒露着上身,双臂被老农妇和一个少年紧紧地抓着,身边另一个少年牢牢地按住了他的身子,他双目圆睁,张着大嘴,声嘶力竭地叫喊着,一条伸出的腿也被人死死踩住,这时的他,只能听凭背上的疮伤被艾火熏灼。那绷紧的肌肉,散乱的衣服,紧皱的眉头,说明这痛苦已达到了极点。老农妇手拽脚踩地协助着医生,脸上显露着对病人深情的怜悯和愁苦神色,衣着上的补丁和瘦削的面庞说明她的生活是贫困的。两个少年对病人的叫喊和医生的狠手难以经受,一个把脸隐到老妇背后,一个眯着一只眼,像是既不敢看又关心治疗过程。然而依据天津人民美术出版社出版发行的《南宋四家画集》中的图片(1619),我们可清楚地看出不同于上述对《村医图》评析的情景。画面左前方的男人(并非老农妇)右腿跪在地上,左脚踩在病人的腿上,双手拽住病人的左胳膊,从脸型和装束上看此人是个成年男子。在成年男子身后的人(并非少年),双手使劲地拽住病人的右胳膊,左脚向内侧蹬在病人左膝关节上,其肩上的衣服呈脱落状,此人系男性其年龄应与前面的成年男子相仿。病人右侧后一人(并非少年,其发髻上有发簪)是站立姿势,斜闭着右眼(可能有眼疾),双手用力按住病人的肩部,右脚踩在病人的右腿上,此人系成年女子。因此,可以确认画面左边两个拽住病人胳膊的亲友是成年男子,而立于病人右侧,双手紧按病人肩膀的是一成年女子。
        
再者,由中国台湾世新出版社出版的《中国历史图说》第八册宋代一书里面在288页中对《村医图》是如此评析的:李唐的人物画,多以宋代的社会风俗为其主要题材,(灸艾图)中描写乡村郎中为居民治病的情况,病人忍着痛苦,亲属扶着他不使动弹,小儿怕得躲在大人背后,又不敢看又好奇,旁边的助手,正在合药,手持膏药,准备着待贴,可谓生动极了。我们从《村医图》(灸艾图)中看不见小儿怕得躲在大人背后,又不敢看又好奇这般情景,因为躲在大人背后者并非是一个害怕的小儿。其理由如下:
        1
.所谓躲在大人背后者,他的动作是双手拽住病人的右胳膊,左脚向内侧蹬在病人的左膝关节上,而此动作只能是在帮忙,并非呈害怕之状。                                                        
    2.该人额头上的皱纹依然可见,再从比例上看其四肢和脸型也属成年人之列。3.该人头上包着幞头,在宋代成年男子包幞头,儿童并无此装束。综上所述,所谓小儿怕得躲在大人背后,又不敢看又好奇者,实际上他是一个帮忙的成年男子。
    
    那些对《村医图》(灸艾图)中之人物的评述与画面不符的现象,可能是因其所引用的图片漫涣不清、难以辨认所致。然而为完整准确地认识李唐人物画的创作思想和绘画风格,有必要对李唐绘画中的人物做认真仔细的解析,使画面人物准确而真实地反映出绘画的内容,方可以史为鉴,据之有理。


                                                                                                                                                   
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东方艺术品受藏家青睐
拍卖商欢迎中国艺术品

                                                                    □环球 2002-7-13

  只要喜欢就有价值,多贵也值得!全国政协常委、著名香港商人张永珍博士率直地说。在香港苏富比拍卖行57日举行的中国瓷器及工艺品拍卖会上,她以4150万港元的天价买下清朝雍正年制的粉彩蟠桃福寿纹橄榄瓶。这不仅创下了清朝瓷器拍卖价格的世界纪录,同时也让这件中国文物衣锦荣归”———告别美国富翁的豪宅,告别台灯座的历史,重新回到中国人的手中。

      中国艺术品拍卖价屡创纪录
         4150万港元的拍卖价是香港苏富比拍卖行对粉彩蟠桃福寿纹橄榄瓶估价的两倍。这次拍卖会的总成交额超过1亿港元,按金额计算的成交率是8395%。整个春季拍卖,香港苏富比总成交额达到2837亿港元。香港拍卖业的另一个巨头香港佳士得同样成绩斐然。该公司从428日至30日在香港万豪酒店一口气举行了中国书画及20世纪中国艺术中国古代书画及近现代画中国宫廷御制艺术精品、陶瓷及工艺品等五场拍卖会。仅429日一天,成交额就超过了12亿港元。其中,宋朝张即之《大方广佛华严经卷第六十五》以887万多港元卖出,明朝永乐刺绣红夜摩唐卡以3000多万港元成交,分别打破中国书法和亚洲刺绣工艺品最高成交价的世界纪录。
  中国书法、刺绣工艺品和清朝瓷器等中国艺术品在香港连续创下拍卖价世界新纪录。收藏家们的踊跃,富豪们的出手,都超出了拍卖公司的预期,令不少行家大感意外。由于艺术品的价值没有明确的判断依据,国际拍卖市场的价格则成为一种相对公允的参考标准。尽管目前世界艺术品拍卖最高价位的前20名仍为西方艺术品所垄断,但随着中国国际地位的提升,更多收藏家将关注的目光投向了中国,中国艺术品在国际拍卖领域逐渐崛起。最近10年的成交情况显示,东方艺术品的整体价位已大幅提升,其中不少品类持续高涨,反映出收藏界的倾向。翡翠和中国瓷器在拍卖市场所占的比重及影响,开始与称霸已久的西方油画和珠宝渐成抗衡之势,显示出东方艺术品的收藏地位与价值。
    

    香港成为亚洲拍卖业中心
  香港与纽约、伦敦遥相呼应,成为全球三大拍卖重镇。香港的拍卖市场起步于20世纪六七十年代,当时香港经济刚刚起飞,社会逐渐富庶起来,不少富翁开始收购文物、古玩,欧美的收藏家委托苏富比把一些文物古玩拿到香港来拍卖。1973年,苏富比与英资公司连卡佛在香港合组分公司,成为首家进军香港的国际拍卖行。佳士得随后也进入香港拍卖市场,占据全球拍卖业90%以上市场份额的两大巨擘相继坐镇香港,在每年春秋两季都举行大型的拍卖活动,不断推动着香港拍卖市场的发展。
    
   

        香港拍卖市场的崛起得益于得天独厚的地理位置。这是一个中西文化交融的国际都市,经济发达、政治稳定,作为一个自由港,资金能够自由流动,人员可自由出入境,因而成为世界各地文物古玩的一个重要集散地。香港虽是弹丸之地,但是荷李活、云咸街一带则是全世界著名的古玩区。除了有两大国际拍卖行之外,香港本地还有不少拍卖公司,如永成、协联和中艺等。

   随着内地经济的发展,中国艺术品走俏拍卖市场,国际拍卖行都十分关注中国艺术品市场的发展。佳士得已经把新加坡和我国台湾的拍卖会全部集中到我国香港,今年还首次把“20世纪中国艺术拍卖会移师香港。

  艺术品收藏拓展投资新领域
  据统计,艺术品的投资是最稳妥、获利最丰富的投资。美国近10年来投资赢利率为:房地产4.7%,股票17%,收藏品则高达24%。艺术品拍卖是香港拍卖市场的重要组成部分。在香港近年的拍卖活动中,最受欢迎、叫价最高的是中国古代的瓷器,名人字画和珠宝玉器也颇受买家青睐。
    

    香港拍卖主角是亚洲藏家
      这次中国瓷器及工艺品拍卖会的前五大买主都是亚洲人。日本经济如日中天之时,日本收藏家活跃在我国香港的春秋拍卖会中,现在却很难再看到他们的身影,取而代之的是来自中国内地的收藏家。俗话说盛世收藏,过去海外买家几乎包揽所有的高价位拍卖品,而现在内地买家开始崛起,不断尝试着向国际艺术市场发起冲击,这一变化正反映出两地经济发展的兴衰。业内人士估计,随着中国经济的迅猛发展,中国艺术品市场潜力很大、后劲十足。

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收藏是一种精神

                                                                  姜也 2002-7-13

  从目前收藏界来看,种类名目之多,令人眼花缭乱。收藏者形形色色,水平也参差不齐,蜚英腾茂者之,滥竽充数者不乏其人。
    

      我是收藏王国里的一位猎奇者。在我看来,要做一名收藏家,并非看其囤积了多少藏品,而应该看其是否具有该领域里的丰厚学识和广博的文化素养,同时也应该是一位德行品格高尚之人。也就是说在收藏的同时砥励品学,成为藏品与人品双丰之人才是一位名符其实的收藏家。收藏是一种重精神轻利欲的高雅活动,一切精神活动一旦沾上了铜锈味,它便失去了原来的意义,自然衍生出荒唐的举动。

  虽然,我无心成为一名收藏家,却爱好收集与自己所从事的专业有某种联系的东西。我只是想通过收集来丰富自己的业余生活,填满自己精神空虚的日子。多年来,我在绘画之余,自制名人艺术封生肖艺术封(也叫实际封或落地封)。每当一个收藏封制作完毕,请名人题签,然后通过邮寄盖销,使之成为一枚枚集绘画艺术、书法及邮票、印章于一体的精美艺术藏品,每每把玩,既能调心养性,又能补充知识,丰富阅历。特别是当心绪烦躁时,它会像情人一样与我进行真挚恳谈和对话,给予我爱抚和体恤,使我得到细雨润物般的慰藉,让我的身心陶醉在一派宁静、平和的气氛之中,并把那些部分化成诗句,化成一幅幅水墨画,化成一种哲学的冥想。总之,我的收藏动机是多层次的。其中最高层次便是我以此来抗击人生的孤独、压抑和寂寞感对我的侵扰,变得超然起来。此时,我想起了,在几年前的一个深秋的黄昏,我伴着沙沙落叶声,独自在南湖岸边散步,远处一位风烛残年的白发老翁正在暮色苍茫中独钓;他卷曲着瘦弱的身子聚精会神地陶醉在忘乎所以然之中,只有那蓬松的干发在秋风中摇曳。那位老人安然自得的幸福感至今记忆如新。细细想来,我觉得我所爱好的一星半点收集活动从本质上讲与那位独钓老人在精神境界中是具有异曲同工之妙的。自得其乐,自我满足。

  通过多年的收集,我感到收藏的实质是一种精神活动。

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人物聚焦
          
画如其人 一丝不苟

                                                                       陈冶 2002-7-13

  我在安徽省迎香港回归的一次书画展览中,被其中一幅花鸟画深深吸引住了,当时就想,一定要认识画的作者周觉钧。
    

    及至见面,才发觉周先生竟已75岁,是中国美协会员,国家一级美术师。我与周先生居然还是同乡,慢慢地我了解到周先生一些往事。
    

     早在1948年,周先生就在国立艺专主攻山水,那时潘天寿先生教诗词,篆刻,看到周先生临摹的画,要周先生多画些石涛的作品,因为石涛善于写生,作品没有雷同的构图,很适合学生们将来写生与创作联系起来。黄宾虹先生也教山水,那时他已有八十高龄,黄老上课从不带笔墨,不传授固定的技法,而是先看每个人作品,再从理论上加以引导。周先生想临黄老的画,黄老总很谦逊,说自己作品不够成熟,还是多学古人技法为好,又仔细看了周先生作品,觉得用笔细致挺拔,可多临摹渐江的作品。周先生在临过各派名家代表作品之后就专攻渐江。同时很注重各方面修养,历代画史画论,包括经典文学名著的阅读,开扩了眼界,增加了艺术的领悟能力。

    

     临摹之后踏上的是写生之路。周先生戴着旧草帽,穿着蓝色干部服,夹着画板,连手表也不戴,每到一处遇到人们,则佯称自己是当地某文化馆的干部。乘坐的是硬座慢车,住的是山区百姓家乃至城市防空洞,食仅裹腹,渴饮山泉。就如此游览了各名山大川,体察各地不同地貌特点,树木生长的各种姿态,气候变化形成的万千气象,积累了数以千计的写生稿。正如明代王履所言吾师心,心师目,目师华山。周先生第一次登黄山时途经莲花峰下,遇到狂风暴雨,急忙往鳌鱼洞躲避,半小时后,雨过天晴,站在莲花峰上脚下云海涌动,阳光普照,蔚为壮观。于是,立马进行写生,此后不断地加工整理,创作了到黄山后第一幅山水画《出水芙蓉》。柯文辉先生评价道,作者写黄山,以云海为池,莲花峰为出水芙蓉,云浪怒涌,生生有力,莲的高洁,托物明志,入黄山又出黄山,似莲花又非莲花,妙境迭出

周先生虽然专攻山水画,但了解他的人都知道他的花鸟、人物画也深得名师指点,颇有格调。花鸟画初得李长白先生启蒙,后拜于非 先生为师,主要学习重彩技法,同时也临摹于老
先生的花鸟画与瘦金体题款。于老先生画牡丹是观看春天的花,夏天的叶、冬天的老干,而后创作而成的。这样的创作方法,给了周先生很大启迪。周先生的花鸟通常根据写生稿运用笔墨关系,色彩对比,寥寥数笔即达到似而非似的艺术效果。在世纪之交,人民大会堂安徽厅要求有黄山松、灰喜鹊、黄山杜鹃的花鸟画,已74岁的周先生用20天时间创作了八尺整张工笔花鸟画《绵绣前程》,将几种物体很好融合在一起,在众多花鸟画中脱颖而出。

  周先生人物画方面也很有天赋,毕业创作,曾获得文化部颁发的年画奖金,并选送苏联展出。苏联著名美术评论家格拉西莫夫特地撰文赞扬。但周先生性情淡泊,更为钟情山水创作,在山水中体味人生,逐渐形成超然物外的气质。
    

    相处长了我发觉周先生自己相当节俭,却两次捐款给母校。他总是说,杯水车薪,略尽绵薄之力。为人若此,实属罕见。他曾在全国各地办过画展,又东渡扶桑办了两次画展,却没有丝毫架子。在我生日宴会上,我有一亲戚听说周先生是画家,从家里抱来一叠国画请教,周先生一张张认真评点并亲自示范。认真如此,令人折服。

    难怪画家林锴寄与周先生信中道:君画严谨认真,一如为人,一丝不苟。” 

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古书拾零

清代《冷淡庵印谱》  福建霞浦孔庆荣 2002-7-13

  清咸丰丁已年(1857)出版的《冷淡庵印谱》,作者李素山,系福建省福安市阳头人。该书线装、宣纸、木刻。每页阳面四个空格,由作者用上等印泥、盖上篆刻四方。空白处宣纸虽被蛆虫咬得百孔千疮,但每颗印章,鲜红犹存,保留原样。全书共发表126方作品。《福安县志》中《孝义》篇载:李望之、字半斋,号四山,读书不慕名利,赏以金石自娱,书法,篆刻尤精、卒年六十有一。本人收藏的这一善本,是在1972年发现的,经查考福建省图书馆,福安市图书馆,均无存书,它是闽东文化史上书画艺术之花,很有欣赏与借鉴价值。

                                                                    

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学画心得
 圆    梦

                                             安徽和县刘从武 2002-7-13

 日前,我进了中国书画函授大学国画专业学习,终于圆了我渴盼多年的梦。

     我自幼喜爱画画。记得刚上小学的时候,看到当时城里的孩子每逢星期天背着画夹出城写生时,便羡慕不已,经常望着他们的身影远去。童年可做过多少

     次梦,梦见自己成了一名高等艺术院校的学生。时间如白驹过隙,转眼已过知天命之年。但是,童年的梦却依然魂牵梦绕,哪怕每次出差在外,偶然遇到一次书画展,总是要抽出时间去参观,以解我心中的饥渴。
  在朋友的指点下,我考取了中国书画函授大学国画专业,当上了艺苑一名灰发学童。
        在这里,我看到来自全国各省市自治区书友、画友,真可谓群贤毕至,少长成集。望着学友们,比我年岁大的多得很,我在这里只能算位中年学子。课堂上聆听教师面授,第一次领略到这种高雅的艺术享受。在自己自由支配的时间里,学着自己渴望的东西,做着自己想做的事情,我觉得这才是人生中最大的幸福和满足。

  以书会友,以画传情,使我结识了不少志趣相投的新朋友,大家以书会友,以画会友,切磋技艺,高谈心得,无藏无掩,毫不保守,对艺术的追求探索,几乎达到痴迷的程度,迄今想来,依然令人神往。

     在老师们的辛勤、悉心教导下,我寒灯夜雨,及及穷年,笔墨和线条基本功有了显著提高,在独立创作时既尊重学习传统,也借鉴西洋画的表现手法,作品中的物象在环境色、固有色,光源色的渲染上,富有明显的质感,每当自己的作品被大展收录或接到入选的通知时,一份辛劳后的喜悦真正是无可言喻。中国书画函授大学,圆了我童年时期的梦,也圆了我期盼已久的大学梦。我将在漫漫修远的道路上,上下而求索,奋力前进。

     梦永远是美好的,人生不能没有梦。

                                             

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学书心得

中国画题款之我见

 南京庞金海 2002-7-13

  中国画自明清以来,即成为融诗、书、画、印于一体的综合艺术形式。画面上四艺交辉、相映成趣,给人以多方面的艺术享受。
      清代方薰说,元以前多不用款,款或隐于石隙,恐书不精,有伤画局,款识题画,始自苏米。到明清时,则款识之风大盛。故此钱杜说,书佳而行款得地,画亦随之增色
 清代方薰说,元以前多不用款,款或隐于石隙,恐书不精,有伤画局,款识题画,始自苏米。到明清时,则款识之风大盛。故此钱杜说,书佳而行款得地,画亦随之增色
   题款钤印,一般在画作的完成阶段为之。题画的诗、词、文句,大约有三个方面:一是画面未尽之意,以诗文抒发;二是阐述画理画法之见解;三是记述作画的机缘等等。
   款、印之于中国画,不仅是它的组成部分,更可以说是这种传统艺术的特色。在中国画诗书画印交辉的表演舞台上,款、印两项就占据半壁江山,可见其对于画面的艺术效果是相当重要的。
      至于古今绘画大家的题款,更不乏上佳的范例,足可供我们的借鉴。清代郑板桥画竹是一绝,他以乱石铺街写的六分半书的诗文,更可与瘦竹相媲美。试想,若郑画无款,那将是何种景象。徐悲鸿在一幅奔马图上的款文是,山河百战归民主,铲尽崎岖大道平。齐白石在画蟹时,题款为看汝横行到几时。这些款文都深化了作品题意,表明了画家的爱憎立场。
    清人朱履安在《书学捷要》中说,书肇于画,象形之书,书即画也。宋代苏东坡说,诗之不尽,溢而为书,变而为画。可见,在中国传统文化发展的历史长河中,书与画的艺术是互相渗透,互相推动,同步发展的。
   
古人云,画至书为高度,书至画为极则。古文字中很多象形字就是从图画演变过来的。
    题款在绘画作品中融进了书法艺术,增加了画作的艺术含量,从而提高了作品的欣赏价值,切莫忽视题款。

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